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 SEBASTIEN LAYRAL  D'ALESSANDRO


AUTRES SÉRIES

Liste non exhaustive de séries, explorant différents médiums et protocoles.

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PlAIsiR loSt-it
Série picturale faisant dialoguer texte et portrait pour explorer plaisir et bonheur dans un monde absurde. 2025 - 2026

  • Projet
    PlAIsiR LOst-It fait dialoguer texte et portrait pour explorer comment le plaisir et le bonheur s’inventent, entre émotion et raison, au cœur d’un monde absurde.
    La série prolonge la démarche initiée avec LOst-It, où les toiles réécrivaient Le Mythe de Sisyphe d’Albert Camus en laissant apparaître les mots comme partie intégrante de l’image.


    Ici, le texte affleure sur les fonds des tableaux : il ne se dissimule pas, mais s’expose et dialogue avec le portrait peint.
    Cette continuité affirme une recherche où peinture et littérature se rencontrent, où le visible et le lisible se nourrissent l’un l’autre.


    La série interroge la manière dont le plaisir et le bonheur peuvent exister dans un monde traversé par l’absurde.
    La toile devient un lieu de pensée incarnée, entre émotion et clarté.

    Données de la série 

    • Type : Série picturale

    • Sous-titre : BINÔMES ?

    • Période : 2025–2026

    • Nombre de peintures : 14

    • Principe : dialogue texte / portrait au sein de la peinture

    • Expositions :

    2024 : BRIVE - Musée Labenche - Chapelle St libéral.
    2024 : LILLE : Louis Dimension gallery - espace Canopy.
    2024 : KNOKKE (Belg.) :  Morbee Gallery.
    2024 : PARIS : Les Salaisons - Salò XII.
    2024 : PARIS - Les Salaisons - Salon de la mort IV.
    2024 : LILLE : Louis Dimension Gallery - Lille Art Up.



moissoNB1
Série picturale et participative revisitant le mythe du Windigo pour interroger la cupidité et la répétition des tragédies historiques. 2020 - 2022

  • Projet

    moissoNB1 met en scène le Windigo comme figure de la cupidité qui, siècle après siècle, pousse l’humanité à se dévorer elle-même.
    La série revisite ce mythe pour révéler des monstres modernes, en liant chaque toile à un paysage historique marqué par la destruction de sa propre communauté par les puissants.

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    Chaque peinture associe un personnage central à un contexte historique précis, faisant apparaître la répétition tragique de ces drames à travers le temps.
    Les œuvres sont reliées à des vidéos accessibles par QR code, inscrivant la mémoire des tragédies dans un dispositif participatif.

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    Le public est invité à écrire ses impressions sur des toiles vierges, prolongeant l’œuvre par une parole collective.
    La série met ainsi en lumière un cycle perpétuel où l’histoire humaine se dévore elle-même.

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    Données de la série

    • Type : Série picturale avec dispositif participatif

    • Sous-titre : DEMOPHAGIE ?

    • Période : 2020–2022

    • Nombre de peintures : 31

    • Principe : association peinture / vidéo (QR code) et intervention écrite du public

    • Thématique : cupidité, destruction des communautés, répétition historique

    • Expositions :

    2023 LILLE - Louis Dimension Gallery - Lille Art Up

    2022 CLERMONT-FERRAND - Opera

    2022 SATURNIA - Film Festival

    2022 PARIS - Galerie 18Bis



inTIME
Installation picturale participative conditionnelle où chaque geste engage la sauvegarde ou la disparition d’un paysage. 2019 - 2023

  • Projet

    inTIME fait du geste un choix : s’engager pour sauver, ou laisser disparaître.
    La série présente des paysages fragiles, peints à l’huile sur lin, dont le devenir dépend directement de l’intervention du public.

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    Le nombre d’œuvres exposées correspond au nombre de jours d’exposition.
    Chaque soir, une toile est altérée, sauf si elle a trouvé acquéreur. L’acte d’achat devient alors un geste de sauvegarde.

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    Un paysage « acheté-sauvé » consacre un tiers de sa valeur à la fondation Akamasoa.
    La série articule ainsi peinture, temporalité et responsabilité, en confrontant le spectateur à l’urgence écologique et à la portée concrète de ses décisions.

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    Données de la série 

    • Type : Série picturale avec dispositif conditionnel

    • Sous-titre : ANTHROPOCÈNE ?

    • Période : 2019–2023

    • Nombre de peintures : 51

    • Principe : une toile altérée chaque jour d’exposition, sauf acquisition

    • Matériaux : huile sur lin

    • Destination des fonds : 1/3 de la valeur reversé à la fondation Akamasoa

    • Expositions :

    2019 CLERMONT FD Réseau francophone de metabolomique et fluxomique. 

    2018 MAURS - Galerie L’Epicerie



diCIBLE
Dispositif pictural et participatif faisant du prix et du silence les traces visibles d’un don préalable. 2019 - 2024

  • Projet

    diCIBLE met en jeu un dispositif où chaque lancer de fléchette inscrit la mémoire d’un prix : ce que l’on gagne existe parce qu’un autre a déjà donné.
    L’œuvre engage le spectateur dans un geste mesuré et comptable, où l’acte ludique produit une conséquence économique immédiate.

     

    Le portrait est composé de zones numérotées dont la valeur est multipliée par dix.
    Chaque zone touchée entraîne une déduction correspondante du prix de l’œuvre, transformant la participation en un mécanisme de redistribution visible.

     

    Le jeu, limité dans le nombre de parties, confronte le participant à la responsabilité de son geste.
    La diminution du prix rend perceptible la relation entre valeur, silence et don, inscrivant la trace de chaque action dans l’histoire économique de l’œuvre.

     

    Données de la série 

    • Type : Série picturale avec dispositif participatif

    • Sous-titre : SILENCE ?

    • Période : 2019–2024

    • Nombre de peintures : 17

    • Prix initial de l’œuvre : 2 200 €

    • Prix d’une partie : 10 € (dont 2 € reversés à l’association FA.ZA.SO.MA.)

    • Règle : un lancer par partie ; zones numérotées de 1 à 8, valeur ×10 (zone 8 = 80 €, etc.)

    • Effet : la valeur de la zone touchée est déduite du prix de départ de l’œuvre

    • Limite : maximum 21 parties

    • Dernière présentation :

    2024 LILLE - Louis Dimension Gallery

    2020 ST MARTIN D’HERES - Espace Vallès



CEnSURE
Sculpture humaine. 2018

  • Projet

    CEnSURE est une sculpture humaine engageant directement le corps de l’artiste comme espace de décision et de responsabilité. Le projet naît d’une invitation de la Nero Gallery à Rome à participer à une exposition consacrée à la censure. Plutôt que d’adopter une position d’opposition frontale, Sébastien Layral D’Alessandro choisit de déplacer la question : que devient la liberté lorsqu’une part de soi est retranchée ?

     

    Avant l’exposition, l’artiste décide de provoquer lui-même cette dissociation. Le lobule gauche de son oreille est prélevé puis présenté comme sculpture. Ce geste est posé depuis une recherche de justesse et de responsabilité : reprendre l’initiative là où une contrainte pourrait être subie.

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    L’œuvre prend alors la forme d’une mise en vente réelle de cette partie du corps. En cas d’acquisition, l’intégralité du montant est destinée à soutenir sept projets humanistes engagés pour la liberté. La séparation initiale n’est pas envisagée comme une perte, mais comme une multiplication : à partir d’une unité dissociée se déploient des actions supplémentaires, concrètes et coopératives.

     

    Par ce déplacement, CEnSURE transforme l’idée de censure en capacité d’initiative. Le corps devient lieu d’engagement réel, où création, responsabilité et liberté se construisent par l’acte plutôt que par la seule déclaration.

     

     

    Données de la série

    • Type : Sculpture humaine

    • Sous-titre : CESURE ?

    • Année : 2018

    • Nombre : 1 œuvre

    • Principe : prélèvement réel du lobule gauche de l’artiste, présenté comme sculpture puis mis en vente ; reversement intégral de la vente à sept projets humanistes

    • Destination des fonds : reversement intégral à sept projets humanistes

    • Exposition : 

    2024 LILLE - Canopy - Louis Dimension Agency

    2024 BRIVE - Chapelle Saint Libéral - Musée Labenche

    2023 BERLIN - Galerie Blabla 

    2022 VENISE - Artivist

    2021 PARIS - Galerie 18bis

    2020 ROME - Nero Gallery



SEPPUKU
Insatllation picturale et performatifve engageant le spectateur dans un acte d’appropriation irréversible et responsable. 2017 - 2024

  • Projet
    SEPPUKU propose une expérience où le spectateur n’est plus simple observateur mais acteur d’un geste irréversible.
    Chaque lancer de fléchette, acheté au prix fixé, entame la toile, en prélève un fragment et le transforme en possession individuelle.


    Le dispositif détourne le sacrifice traditionnel pour interroger le rapport à l’art, au marché et à la responsabilité.
    Détruire devient consommer, mais aussi redistribuer : chaque carré touché est découpé, encadré et offert au joueur, tandis que l’intégralité des fonds est reversée à une association accompagnant les migrants en France.


    Dans cette tension entre absurdité et don, SEPPUKU oblige chacun à mesurer le sens et la portée de son propre acte.
    Le geste, à la fois ludique et violent, engage une responsabilité directe et irréversible.

    Données de la série

    • Type : Série picturale performative

    • Sous-titre : APPROPRIATION ?

    • Période : 2017–2024

    • Nombre de peintures : 3

    • Principe : lancer de fléchettes payant (100 €) sur la toile ; chaque fragment touché est découpé et offert

    • Destination des fonds : reversement intégral à une association d’aide aux migrants en France

    • Expositions :

    2024 BRIVE - Musée Labenche

    2023 RIOM- Ecole d'art

    2020 SAINT MARTIN D’HERES - Espace Valles

    2017 PARIS - Carreau du temple



JE SUIS UNE PUTE
Série picturale participative engageant le collectionneur dans un acte de responsabilité, de circulation de l’image et de la valeur. 2016 - 2017

  • Projet

    JE SUIS UNE PUTE est une série qui fait du collectionneur un acteur.
    Il n’achète pas seulement un portrait : il engage son image et son argent dans un processus qui dépasse l’acquisition de l’œuvre.

     

    La série se compose d’autoportraits peints à l’huile sur lin, réalisés à partir d’une photographie unique, déclinée sur différents formats.
    Sur la surface de chaque toile sont inscrites, peintes ou dorées, les informations habituellement reléguées au dos : numéro, titre de la série, année, technique, format, signature et lieu de réalisation.

     

    Avec chaque œuvre, l’acquéreur reçoit un certificat d’authenticité, une partie d’un texte manuscrit — réparti entre toutes les toiles de la série — interrogeant le titre JE SUIS UNE PUTE, ainsi qu’une proposition pour poursuivre la recherche.
    S’il accepte, le collectionneur est invité à poser pour un portrait photographique servant de modèle à une seconde peinture de format identique, portant les mêmes inscriptions.

     

    Il s’engage alors à vendre cette nouvelle toile.
    L’argent récolté est mis à sa disposition pour changer le monde, prolongeant l’œuvre par un acte qui engage responsabilité, image et circulation de la valeur.

     

    Données de la série

    • Type : Série picturale participative

    • Sous-titre : COLLECTIONNEUR ?

    • Période : 2016–2017

    • Nombre de peintures : 51

    • Technique : huile sur lin

    • Principe : autoportraits avec inscriptions visibles des données de l’œuvre ; implication active du collectionneur

    • Dispositif associé :

      • certificat d’authenticité

      • fragment de texte manuscrit

      • invitation à produire une seconde œuvre et à la revendre

    • Destination des fonds : à la disposition du collectionneur pour « changer le monde.

    • Exposition :

    2017 — Paris, Galerie 18bis



AVEC
Série picturale participative confrontant vérité photographique et vérité du modèle dans une œuvre partagée. 2015 - 2017

  • Projet

    AVEC repose sur l’idée que la réalité est la somme des vérités individuelles.
    La série met en place un protocole où l’artiste réalise la moitié d’un portrait peint à l’huile sur lin à partir d’une photographie, laissant l’autre moitié ouverte à l’intervention du modèle.

     

    Pendant toute la durée de l’exposition, le modèle est invité à s’écrire librement sur l’objet peint.
    Le portrait devient la surface où la vérité photographique se confronte à la réalité humaine, par l’adjonction de la vérité du modèle, quelle que soit sa forme.

     

    L’intervention peut prendre des formes multiples, y compris le refus d’agir ou la destruction de l’objet peinture.
    Ce contrat engage une œuvre collaborative qui appartient à chacun de ses acteurs.

     

    En cas de vente, la somme reçue est répartie selon le principe établi : soit entre le modèle et l’artiste, soit entre le modèle, l’artiste et le galeriste.
    La série interroge ainsi l’auteur, le modèle et la valeur de l’œuvre comme construction partagée.

     

    Données de le série

    • Type : Série picturale participative

    • Sous-titre : MODÈLE ?

    • Période : 2015–2017

    • Nombre de peintures : 81

    • Technique : huile sur lin

    • Principe : portrait peint à moitié par l’artiste, complété ou non par le modèle

    • Statut de l’œuvre : collaborative ; propriété et valeur partagées

    • Expositions :

    2018 PARIS - Galerie 55 Belechasse

    2017 PARIS - Galerie 18bis

    2016 RIOM - Les Abattoirs

     2016 CHATEL-GUYON - Grand hotel 



GRAFF
Installation performée transférant l’écriture collective de l’enfermement du mur au corps de l’artiste. 2025

  • Projet
    GRAFF rappelle que l’enfermement laisse des marques : ici, elles passent du mur au corps, du collectif à l’intime.
    L’installation prend place dans une cellule de prisonniers ayant inscrit leur passage dans la pierre meuble, traces d’existences contraintes et anonymes.

    Dans cet espace est déployée une toile vierge en lin de vingt mètres de long sur deux mètres cinquante de haut.
    Chacun des douze mille visiteurs de l’exposition est invité à s’écrire librement sur le tissu à l’aide de marqueurs blancs, transférant le geste du graffiti du mur vers la toile.

    Dès le premier jour, l’installation annonce que, le dernier jour, un tatoueur viendra inscrire sur une partie du corps de l’artiste l’un des graffs choisis par lui.
    Le passage du signe collectif à l’inscription corporelle transforme l’écriture en engagement irréversible, faisant du corps un lieu de mémoire.

    Données de la série

    • Type : Installation performée avec participation du public

    • Sous-titre : NOUS ?

    • Année : 2015

    • Œuvres : 1 installation · 1 tatouage

    • Dispositif :

      • toile vierge en lin (20 m × 2,5 m)

      • écriture libre des visiteurs (≈ 12 000 participants)

      • transfert final d’un graffiti sur le corps de l’artiste par tatouage

    • Expositions :

    2015 TOURNON SUR RHONE - Musée



lOSt
Série picturale participative où la perte de l’œuvre devient un acte de redistribution. 2013 - 2020

  • Projet

    lOSt sacrifie la surface d’une œuvre pour repeupler la table des enfants.
    Le dispositif propose au public d’acquérir une petite surface de la toile en y apposant une gommette rouge, pour le prix symbolique d’un euro.

    Chaque acquisition entraîne la disparition d’un fragment de l’œuvre.
    Le geste, simple et accessible, transforme l’acte d’achat en un prélèvement visible, où la peinture se modifie au fil des interventions.

    La somme versée est intégralement transformée en repas scolaires pour des enfants malgaches par l’association FA.ZA.SO.MA.
    La série articule ainsi perte de l’œuvre, redistribution et responsabilité, en faisant du dépouillement une condition de partage.

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    Données de la série

    • Type : Série picturale avec intervention participative

    • Sous-titre : SE PERDRE ?

    • Période : 2013–2020

    • Œuvres : 51 peintures · 1 tatouage

    • Principe : acquisition d’une surface de la toile par gommette (1 €)

    • Destination des fonds : transformation de chaque euro en 8 repas scolaires via l’association FA.ZA.SO.MA.

    • Expositions :

    2018 BÂLE - Galerie 55

    2018 ISTANBUL - Galerie 55

    2017 PARIS - Carreau du temple

    2015 ROME - Institut français

    2015 TOURNON SUR RHONE - Musee 



DESIRE
Série picturale participative où le désir traverse le portrait par l’intervention visible et écrite du modèle. 2013 -2015

  • Projet

    DESIRE part du principe que chaque portrait naît du désir.
    L’artiste réalise des portraits à l’huile de personnes pour lesquelles existe un désir, engageant une relation directe entre modèle et représentation.

    Chaque modèle peut parfaire son portrait selon deux postulats distincts :
    un registre physique, par le choix d’une couleur, et un registre émotionnel, laissé blanc.
    À cette intervention s’ajoute la réalisation d’un autoportrait écrit par le modèle, marouflé au dos de la toile.

    Le portrait se construit ainsi par strates visibles et invisibles.
    Le désir, partagé entre l’artiste et le modèle, traverse l’image et se déplace vers l’arrière de l’œuvre, inscrivant l’intime hors du champ immédiat du regard.

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    Données de la série

    • Type : Série picturale participative

    • Sous-titre : DESIR ?

    • Période : 2013–2015

    • Œuvres : 43 peintures · 1 tatouage

    • Technique : huile sur toile

    • Principe : portrait peint par l’artiste, complété par le modèle (couleur choisie et zone blanche)

    • Dispositif associé : autoportrait écrit du modèle marouflé au dos

    • Expositions :

    2024 LILLE - Louis Dimension Agency

    2023 PARIS - GENOLIMIT

    2023 PARIS - Galerie 18bis

    2016 HONG-KONG - Galerie Avenue des Arts

    2016 RIOM - Les Abattoirs

    2016 CHATEL-GUYON - Théâtre

    2015 ROME - Institut Francais 

    2015 TOURNON SUR RHONE - Musée  

    2015 CHAMALIERES - l’Epicerie d’Art

    2014 HONG-KONG - Galerie Avenue des Arts

    2014 PARIS - Galerie Art Traffik

    2014 SAINT MARTIN D’HERES - Espace Vallès

    2014GRENOBLE - Musée dauphinois



INO ONI
Série picturale participative articulant corps, écriture et image dans une relation validée par le modèle. 2011 - 2013

  • Projet

    INO ONI met en jeu l’autoportrait écrit, le corps, l’image et le geste pour faire d’une peinture traversée une œuvre validée par celui qui s’y incarne.
    Chaque visiteur de l’atelier est invité à réaliser un autoportrait écrit, aussi juste que possible, engageant une relation directe entre parole, corps et image.

    Le modèle dénude librement le haut ou le bas du corps, puis une photographie est prise.
    À partir de cette image, l’artiste réalise une peinture à l’huile, qui devient ensuite volontairement éphémère par un ponçage traversant, introduisant les traces du texte dans la matière picturale.

    L’autoportrait écrit est marouflé au dos de la toile.
    Un code relie les deux faces de l’œuvre, conjuguant perceptions du moment, image, texte, récit et émotion.

    L’œuvre est enfin soumise au modèle, qui la valide par un dernier geste.
    INO ONI construit ainsi une relation où l’image, le corps et la parole s’accordent dans une responsabilité partagée.

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    Données de la série

    • Type : Série picturale participative

    • Sous-titre : RELATION ?

    • Période : 2011–2013

    • Œuvres : 28 peintures · 1 tatouage

    • Technique : huile sur toile, ponçage

    • Dispositif : autoportrait écrit, photographie, peinture traversée, validation finale du modèle

    • Expositions :

    2014 HONG KONG - Galerie Avenue des Arts

    2014 PARIS - Galerie Art Trafik

    2012 PARIS - Galerie Nicolas Deman

    2012 RODEZ - Manoir Saint Félix



PEINTOMATON
Dispositif performatif pictural rendant visible la relation par la fragmentation et l’effacement de l’image. 2000 - 2015

  • Projet

    PEINTOMATON met en place un dispositif performatif où le regard est fragmenté pour rendre visible l’impossible point de vue de l’autre.
    Une personne du public pose de l’autre côté d’une bâche plastique translucide pendant que l’artiste réalise son portrait. Trois caméras enregistrent simultanément l’action : l’une filme la peinture en cours, la seconde est tenue par le modèle, la troisième par le public.

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    Les trois flux vidéo sont projetés en direct sur la bâche, transformant l’obstacle visuel en surface de projection.
    Ce qui empêche de se voir devient un outil pour visualiser la relation, le décalage des perceptions et la construction de l’image.

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    La peinture réalisée est ensuite effacée devant le public, avant qu’une autre personne n’entre dans le dispositif.
    L’œuvre se déploie ainsi dans une temporalité de l’apparition et de la disparition, où la valeur ne réside pas dans la conservation de l’objet, mais dans l’expérience partagée de la rencontre.

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    Données de la série

    • Type : Dispositif performatif pictural avec projection vidéo

    • Sous-titre : VALEUR ?

    • Période : 2000–2015

    • Production : environ 1 200 peintures (effacées in situ)

    • Dispositif :

      • bâche plastique translucide

      • réalisation d’un portrait à l’huile

      • trois caméras (artiste / modèle / public)

      • projections vidéo en direct sur la bâche

      • effacement de la peinture à l’issue de chaque session

    • Expositions :

    2015 ROME - Institut Français 

    2015 CLERMONT FD - Ecole d’architecture

    2015 TOURNON SUR RHONE  - Musee

    2014 HONG KONG - Asian art fair 



PEINTURE
Ensemble pictural explorant le médium à travers des œuvres autonomes, participatives ou non, faisant office de charnières techniques et émotionnelles entre les séries. Depuis 1987

  • Projet

    « Un parcours depuis l’enfance, à travers le médium, explorant des sujets variés. Un ensemble d’œuvres, participatives ou non, parfois inscrites dans de courtes séries. Elles constituent des instants techniques et émotionnels, faisant office de charnières entre les séries et les différents concepts. »

     

    Données

    • Type : Ensemble pictural

    • Sous-titre : PEINTURE ?

    • Période : 1987–2026

    • Production : environ 1 000 peintures

    • Principe : œuvres hors séries longues, parfois regroupées en courtes séries

    • Fonction : instants techniques et émotionnels servant de transition entre séries et concepts

    • Expositions : 

    Multiples depuis 1987

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